Después de un corto en 1965 (Boy and Bicycle), en el que su hermano Tony era el protagonista, y de trabajos para series televisivas, Ridley se lanzó al ruedo de la dirección cinematográfica en 1977 con “Los duelistas”, cuyo guión estaba basado en una novela de Joseph Conrad.

Esta ópera prima de Scott, poco valorada en su momento, tachada sobre todo, de estar rodada a un ritmo excesivamente lento, a lo largo de los años ha ido ocupando el verdadero lugar que le pertenecía, y hoy en día se la considera una película de culto.

El título de “culto” que alcanzan muchas películas que en su estreno fueron poco valoradas, o consideradas simplemente malas, mete en el mismo saco a excelentes películas, y a verdaderos bodrios (de culto son las películas de Ed Wood, y siguen siendo malísimas aunque las veamos con ojos condescendientes). “Los duelistas” nunca tendría que haber entrado en esa categoría, porque su calidad era la misma en el año 1977, que en la actualidad.

Su puesta en escena que nos recuerda al “Barry Lyndon” que nos había ofrecido Stanley Kubrick dos años antes, es impecable, y su fotografía, perfecta. Contiene una de las más inquietantes bandas sonoras, y si la película nos habla de dos duelistas, excelente es el duelo interpretativo de los dos protagonistas, un por entonces prometedor Keith Carradine, (que se quedó poco a poco en el camino después de algunas buenas actuaciones posteriores, y que ahora podemos ver en la serie “Dexter”, con algunos añitos mas a las espaldas), y un Harvey Keitel, que ya había dado muestras anteriores de su calidad interpretativa, y que en esta película nos ofrece una gran talla como actor.

No podía pedírsele mucho más a una película que reunía tantos puntos positivos, pero por lo que fuera, “no cayó de pié”, y se la relegó durante tiempo a un segundo plano entre la posterior filmografía de su director.

Scott, que tiene verdaderas joyas cinematográficas en su haber “Blade Runner”, “Alien”, o “Thelma y Louise”, es un director muy irregular, y carece de sello propio, pero ya solo por esta su primera película, tendría que haber pasado a la historia del cine.

Trailer (en inglés)

Swanson 

Reservoir Dogs es una película de 1992. Quentin Tarantino había escrito el guión de ‘Amor a quemarropa’ (True Romance, que se estrenaría en 1993) y, animado por el productor Lawrence Bender (quien ha producido todas sus películas), empezó a escribir el guión de Reservoir Dogs junto a Roger Avary.

La película se produjo como una película independiente de bajo presupuesto (1.200.00 dólares) y con un planteamiento sencillo.

El argumento es bien sencillo: un grupo de atracadores (que no se conocen entre sí) toman los nombres de los colores como nombres en calve. Después de un atraco fallido llegan a la conclusión de que hay un policía entre ellos. Los personajes van dando su punto de vista de la historia según van llegando al punto de encuentro.

En esta película se pueden ver como Tarantino, director y guionista, incorpora todas sus principales señas de identidad: delincuencia violenta, violencia muy grafica, referencias a la cultura popular americana, memorables diálogos, desorden en las escenas de la película y el vocabulario, usualmente, vulgar.

He de destacar a los actores, que siempre quedan bien en las películas de Tarantino, que hacen perfectas actuaciones con papales (aparentemente) poco profundos. En el reparto se encuentran: Harvey Keitel (Sr. Blanco), Tim Roth (Sr. naranja), Chris Penn (Eddie), Steve Buscemi (Sr. Rosa, que se quejo de su ‘nombre’ ante Tarantino; después Quentin lo añadió al guión), Michael Madsen (Sr. Rubio. La mejor actuación de la película), Lawrence Tierney (Joe Cabot), Quentin Tarantino (Sr. Marrón) y Edward Bunker (Sr. Azul).

El guión se considera un objeto de culto, presentando a Tarantino como la promesa cinematográfica de los 90. Pasará a la historia del cine.

Reservor Dogs (trailer original)

A rather nauseous Victor Dunham (Isaiah Washington) hits the head in the Spike Lee-Richard Price Brooklyn slang opera Clockers.

Victor is the straight brother of low-level drug dealer Strike (Mekhi Phifer), whose boss Rodney (Delroy Lindo) has put him in an awkward position.

Price later joined the writing staff of The Wire, where he added flavour to the stories of corner boys and hoppers.

According to the trade Variety, Val Kilmer (The Doors) has joined the cast of director, Werner Herzog’s (Rescue Dawn), remake of the 1992 crime drama BAD LIEUTENANT. To me this is a real interesting project. Nicolas Cage is already aboard in the role of the immoral cop, reprising the very memorable performance of Harvey Keitel in the original. For those who remember the 1992 version, it was released NC-17 and deservedly so. Keitel’s nameless cop was a true degenerate; involved with drugs, gambling and deviant sexual practices who ultimately redeems himself while investigating the rape of a nun. I’m curious as to why Herzog and Cage are attracted to this material only 16 years after Ferrara’s version. Cage has certainly done dark material before in films like Leaving Las Vegas and the underrated 8MM but this is even stronger in content and not very bankable stuff for mainstream audiences. Still I see it as one of the more interesting projects in the current pipeline and I’m sort of looking forward to it. Watch the Trailer

It's been awhile since I've seen it but I remember the original BAD LIEUTENANT being excellent. NICOLAS CAGE in the HARVEY KEITEL? I have a hard time picturing that.

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Well, its been an eventful couple of weeks. Finished my assignment at Tower Hamlets, had my birthday and fitted in an exhibition, some cinema visits and a gig - entries are being prepared for the last two. I'm looking forward to relaxing for a couple of weeks now before actively seeking anything new, I'll enjoy exploring my new part of the world and there are some other exhibitions and places I'd like to check out. 

A week on Saturday I celebrated my triple celebration - my new place, my birthday and being unemployed!! After a exploration around Limehouse and Canary Wharf we hit some pubs and had what I think was a pretty good curry - things were getting sketchy at that point so I can't testify to the food's quality. In any case, many thanks to all my mates who visited and here are some amusing film clips which (Spoliers beware, more on this film below and thank you Neil for my present, it rocks) should stir some dormant memories....

I paid a visit to Tate Modern and had a look at the 'Street & Studio' exhibition that has been praised in the press. It was very good, I gravitated to the Weegee and Diane Arbus photos but my favourite was this which looks like its escaped from a fashion shoot from ID magazine in 1994 - quite remarkably it was actually shot in 1949. 

BBC4 are continuing a fine mini season of films from some mainstream and neglected genres - the Western, the British B Movie (which showcased this masterpiece) and this week Courtroom Films. The 90 minute documentaries to accompany the seasons have been pretty good, and I strongly urge you to catch 'The Verdict' which is on this week as it is something of an overlooked treasure with probably Paul Newmans finest performance. 

We will also be treated to a documentary on the great Werner Herzog this week as part of the Imagine strand, maybe he can explain his recent exodus to Hollywood and shed some light on the disappointing 'Rescue Dawn' which I reviewed here.  More distressing is the mooted remake of 'Bad Lieutenant' which is a great and very challenging film in its own right, of all the projects he could secure why on earth has he opted for this with Nicholas 'Possibly the worst actor in Hollywood' Cage in the title role? Anyway, no I'm not going to link to that scene in the movie (if you've seen it then you'll know what I mean), so here are some clips which may give you a feel for the film.

Staying with the film theme for a change, I am excited to see that the Barbican is hosting a film season on Alex Cox which gives me the opportunity to see one of my favourite ever films on the big screen - 'Repo Man'. It's a shame that Cox has never matched the achievement of his cult debut and some of his recent efforts have been mediocre to say the least. Still, I still haven't got round to catching up with this which is supposed to be good and discussions of this event on some of my favoured film sites have led me to some terrific free downloads of the Moviedrome programme notes which is cool. On the bad news fromt, it appears that Tartan films has finally folded which is a real shame as they are responsible for bringing many superb films to the UK and arguably are most responsible for bringing the phenomenon of Asian J Horror movies to our shores. RIP.

Finally, just to disprove my cold cynical image here is a link that bought a mist to my eyes and rendered my bottom lip all a quiver. All you cool kids who know your way round the Interwebs may have seen this before but it's new to me. If it doesn't activate a tiny spark of shared optimism in our future in an era of sabre rattling in the middle east, global financial holocaust, energy and foot riots coupled with climate catastrophe then nothing will. Even if he is a smug lucky git who has travelled the world. Bastard. 

HARVEY KEITEL
The Piano (1993)

GUY PEARCE
Memento (2000)

ROBERT DE NIRO
Cape Fear (1991)

ROBERT MITCHUM
The Night of the Hunter (1955)

Fonte: EW.com

Le Iene
di Quentin Tarantino
con: Harvey Keitel, Steve Buscemi, Michael Madsen, Tim Roth, Chris Penn
1992

Lungometraggio d’esordio di Quentin Tarantino, a tutti gli effetti, uno dei maggiori esponenti del neo noir insieme ai fratelli Coen, tanto per citare alcuni tra quelli di maggior rilievo.

Regista di culto come ,ormai, tutti sapranno esclusivamente o quasi, ahimè, grazie alla pellicola seguente, Pulp fiction, la piu’conosciuta e decantata trascurando o addirittura ignorando l’esistenza di Rasevoir dogs, Le iene, il film in questione, davvero un’ottimo esempio di gangster-movie contemporaneo. In seguito Quentin oltre ad averci regalato un’altro film se pur inferiore ai precedenti nonostante questo di pregevole fattura come Jackie Brown, lo stesso purtroppo ignorato da molti, i quali sembrano aver dato sicuramente piu’ credito ai successivi lavori come Kill bill vol. 1-2 e Grindhouse – A prova di morte, i quali, naturalmente, a mio modo di vedere siano dei meri divertissement divertenti e divertiti e nulla piu’.

Ritornando alla pellicola che merita sicuramente di essere annoverata tra i nuovi classici del genere in questione, racconta di due criminali (di cui uno gravemente ferito) scampati a una rapina finita male si rifugiano in un capannone, stabilito come punto di ritrovo per tutta la banda. Man mano che arrivano gli altri si cerca di capire cos’è andato storto, e la situazione prende una brutta piega: si è trattato di una trappola? Chi ha tradito? Il sospetto cresce, fino all’esplosione finale.

La vicenda si svolge quasi per intero nel capannone dove si incontrano i gangster, vestiti tutti allo stesso modo e ognuno chiamato con il nome di un colore (Mr. White, Mr. Pink ecc.).

Su questo impianto teatrale si innesta una vertiginosa struttura a flashback, tipica del genere, infarcita di dialoghi brillanti da commedia (nera), come ad esempio nella sequenza d’apertura, in cui troviamo i membri della banda, gangster professionisti, parlare dei loro singoli musicali preferiti di Madonna, come fossero persone comuni intente a passare del tempo con argomenti occasionali e frivoli. Black Humor quindi e un’ esplosiva carica di violenza contraddistinguono quest’ottima pellicola intrisa di riferimenti, come già detto, al cinema noir-gangsteristico, che vanno dal Kubrick di Rapina a mano armata al Melville di Lo spione, passando per alcune pellicole italiane di maestri del genere, cosidetto poliziesco all’italiana, come Fernando di Leo, autore tra gli altri di Milano calibro 9 e Umberto Lenzi.

Nel film sono presenti sequenze di straordinaria forza espressiva, raggiunta anche grazie a un gruppo di interpreti di prim’ordine come Harvey Keitel, anche coproduttore del film, Tim Roth, Michel Madsen e Steve Buscemi, caratterista di talento tra i prediletti di Tarantino che ritorna in un piccolo cameo in Pulp fiction, e dei fratelli Coen, il quale lo ritroviamo in Fargo e ne Il Grande Lebowsky.
Fabrizio Catalani

A man has only one life time. But history can remember you forever. -Mitch Wilkinsin

• Nicolas Cage as Ben Gates
• Justin Bartha as Riley Poole
• Diane Kruger as Abigail Chase
• Jon Voight as Patrick Gates
• Helen Mirren as Professor Emily Appleton
• Ed Harris as Mitch Wilkinsin
• Harvey Keitel as Agent Sadusky
• Bruce Greenwood as The President

There were great performances by everyone involved but Helen Mirren's role as Ben's mom was particularly noteworthy.  The chemistry between herself and Jon Voight put Krugers and Cages to shame.  Ed Harris playing the bad guy is always fun and Bruce Greenwood as the President was an excellent interpretation.  The character's and actor's that played them were outstanding.

Ratings And Suggestions

National Treasure: Book Of Secrets felt like it was quickly rushed together so the filmmakers could capitalize on a sequel so the parallel stories involving the cities of lost gold from Indiana Jones And The Kingdom Of The Crystal Skull and itself would not be released simultaneously. While Book of Secrets beat Indy 4 to the release date, Indy 4 was compiled together in an elegant, love taken fashion whereas Book Of Secrets was not.  It was stamped and mailed before it was even finished.  It suffers the worst kind of fate of mediocrity in it's ability to have been a much better movie if not rushed.  Nonetheless, it was delivered as a mundane film that by it's finale the outcome was no longer even relevant to me.  I simply wanted to see the end credits. Book Of Secrets receives 1.5 out of 4 Stars.

Hey, kids!

You know what would be great for Family Movie Night?! Now, little Billy, don't give me that look. We know what happened the last time you chose the video for Family Movie Night. Why, your mother didn't stop weeping for days, and you know how Gramma Jenny feels about those Wiemar-republic era drag queens! Why, it only takes a little encouragement to make her go nipping into the brandy, and we know how Jesus feels about that! Oh, come on, little Becky. Now, we all know you just graduated that liberal arts college up North, but Family Movie Night is always just so much moe enjoyable when the lead characters aren't repressed transsexual migrant workers who are constantly beaten down by the Man! Let's all find a movie we can ALL enjoy!

What's this, Uncle Hershel? "Bad Lieutenant"? Is that like a Star Trek where Data goes on the fritz? Ha-ha-ha! Billy, please stop sighing, it makes Jesus unhappy. Let's read the back! Ooooh, Roger Ebert loves it, and says Harvey Keitel gives "one of the great screen performances in recent years". Well, this movie DID come out in 1992, remember, so it's not ALL that recent, right gang? Hahaha! And yes, Becky, I realize Roger Ebert represents the bourgeoisie in all its laconic squalor. Wow, you sure learned some big words up at that college!

Let's just throw this here disc into the turntable, huh? Or do these fancy things go on the CD player? Haha-haha-ha! Oh, Billy, the more eyeliner you put on the more Jesus smudges it with His tears.

Oh, look! You kids remember, Granpa had a car just like that, and you remember we used to send you kids off to school in JUST those kinds of parochial blazers...oh! Oh, my, he said a dirty word there! And another! Oh my, did he just tell his sons to...well, I'm sure all the dirty parts are out of the way now! Just trying to keep those adults interested, right? Hahahaha!

Um, Uncle Hershel, what's he putting up his nose there?

How do you know that, Billy?

Oh.

Oh, my.

Well, this is...different. What did you say the rating on this movie was again, Uncle Hershel? NC-17? You don't say!

Well, aren't those the cutest girls, taking their dad's car out for a spin without him knowing! Wait, what did Harvey Keitel ask that girl? Why...what's she doing with her tongue there?

How do you know that, little Becky?

Well, those ladies are certainly...naked...and...OH! Oh, dearie me, Mr. Keitel! Well, it's nice to know that some actors don't let  a little thing like modesty stand in the way of...um...their...part. Role! Their role!

Anyone for cake? Anyone?

Well, Jesus, Mary and Joseph, literally! Ah, finally, some wholesome activity in the sanctity of a house of God, and...Oh Goodness! That's...oh, that's a nun? Oh, my! I see London, I see France, I see....oh, um. My. So that's what nuns look like...there. My, that's...um, shocking...and...sacrilegious. Daring! Yes! Say, what's that one...ruffian...doing on her back?

How do you know that, Gramma Jenny?

Is anyone sure they don't want cake? Or coffee! We have coffee!

[45 minutes of silence later]

I'm gonna fuck a bitch and shoot some smack. Any of you whorefuckers mess wid' me, I'm gonna blow ya fuckin' brains out, yoo hear me? YOO FUCKIN' HEAR ME, MUTHAFUCKAS?

And save me summa that fuckin' cake

FINAL SCORE: 3 out of 5 bullets. Despite being in the action section, yet again, this was not an action movie. More of a melodrama, really, I guess, with a lot of swearing. If, however, you want copious amount of drugs, corruption, nudity (oh could I have lived my life perfectly content without seeing Harvey Keitel's trouser snake), sex, and good old-fashioned Nun Rape (as opposed to Nouvelle Nun Rape, which sounds like a great metal band), this is your movie! Also if for some bizarre sad reason you want to know the exact play-by-play of the '92 Mets vs. Dodgers season, this is a movie not to miss!

Incidentally, was Harvey Keitel ever young? He's gotten progressively older, but I've never seen him looking younger than 50. It's like he has an aging portrait hidden in the attic, but he never thought to get it painted until middle age.

Director: Theo Angelopoulos

Duración: 176 minutos

Año de estreno: 1995

Nacionalidad: Grecia

Número de película: 25

DE QUE VA

Si el cine es una mirada sobre uno mismo, bien vale la pena recorrer los Balcanes para encontrar unas viejas grabaciones, aun a riesgo de alcanzar incluso el Sarajevo de la guerra de los Balcanes.

PORQUE PUEDE VERSE

Bueno, ésta si que es una obra verdaderamente fundamental de los años 1990 y del cine europeo reciente. Al frente de la obra, uno de sus directores más admirados y respetados, Theo Angelopoulos. Y al frente del reparto, un Harvey Keitel llegado de 'Pulp Fiction', pero en un registro completamente diferente. Hemos hablado ya de la obra pero no hemos dicho realmente nada relevante sobre ella, porque lo que hace de este trabajo algo monumental es el recorrido que realiza en tierras balcánicas, llevado por el firme brazo de Angelopoulos, que recrea al mismo tiempo pasado y presente y desvela los lazos fragmentados o que aun unen esas castigadas tierras. Esta película es una mirada sobre el  país del director y el entorno geocultural en que se ubica, como muchas otras suyas. Es una película de realidades expuestas mediante el arte y la preciosa mirada cinematográfica de Angelopoulos. En definitiva, una obra maestra más de este gran maestro, de este talento neto del cine de las últimas décadas.

¿QUIERES SABER MÁS? (Recursos)

• Una reseña en el Séptimo Sello
• Otra reseña muy favorable, en 39 escalones
• Y otra reseña más, algo pretenciosa

David Lynch trabalha a loucura no universo de feitura cinematográfica hollywoodiano em seu último e mais complexo filme, o imprevisível Império dos Sonhos, mas o conceito de indissolubilidade de filme-dentro-de-filme utilizado pelo mestre do neosurrealismo tem alguns registros anteriores ainda mais interessantes. O principal deles, e talvez, junto de Cidade dos Sonhos (também do Lynch), o melhor trabalho feito sob essa técnica de baixa aceitação fora de certos círculos restritos de adoradores fanáticos, é este Olhos de Serpente, um dos grandes filmes do mestre maior do cinema contemporâneo, Abel Ferrara.

Mas é claro que Ferrara e Lynch nada têm em comum como cineastas, a não ser a própria adoração por técnicas de menor espaço nessa formatação atual de cinema – ressalto aqui nenhum sentido pejorativo. Enquanto Lynch brinca com as inúmeras possibilidades narrativas que seu material lhe empresta, Ferrara gosta de fazer de cada imagem fotografada – independente de sua função na montagem da seqüência – um mistério tão grande ou maior do que a própria idéia geral dos filmes, colocando no pacote ainda a sacanagem ininterrupta que compreende a real origem das imagens (tanto que sempre são projetadas a partir de mídias das mais variadas).

A tenuidade da imagem no cinema de Ferrara é responsável por transformar seu melhor filme (ou pelo menos o meu preferido, mas que muitos apontam incompreensivelmente como um de seus piores), New Rose Hotel, num dos filmes mais charmosos e intrigantes já feitos, e acaba sendo também o grande atrativo deste Olhos de Serpente, que retoma o paradoxo apresentado anteriormente no sensacional Vício Frenético e que de certa forma resume em prática a temática de toda sua filmografia: os limites da moral e da fé católica e dos vícios (representantes genuínos de bem e mal na consciência humana), além da relação entre vida e arte, também bastante estudada pelo cinema ao longo de sua existência – o que me lembra aquele momento fantástico de Maria, quando o personagem de Modine defende seu filme na sala de projeção numa clara idéia de fé sendo construída através da arte (no caso, da sua própria).

A grande diferença de Olhos de Serpente em relação ao seu meio-irmão policial, também protagonizado por um dos maiores xodós do diretor, Harvey Keitel (duas atuações impecáveis, por sinal), além obviamente do universo em que se desenvolvem (um a Nova York suja dos guetos; o outro Hollywood, mas totalmente desglamourizada), fica por conta da estrutura. Vício Frenético mantém o foco sempre na relação interpessoal do protagonista e sua busca pela redenção em meio a uma rotina de vícios. Olhos de Serpente, embora também seja sobre o personagem de Keitel, desvia a todo o momento sua origem, concentrando muito de suas ações nos personagens do filme que está sendo rodado (pode-se dizer que metade do filme é o próprio filme-dentro-do-filme, que ganha vida própria dentro da narrativa e tudo mais), mas sem deixar de falar do protagonista.

O recurso acaba permitindo a Ferrara a liberdade de viajar na relação entre obra e realizador, e a maneira como essa relação aos poucos é apresentada deixa algumas seqüências com uma intensidade inenarrável, em especial nos principais momentos desse clareamento de idéias sobre a própria origem das idéias do protagonista – do filme de Ferrara, não do filme de Keitel - para seu trabalho. E saber que esse limite entre a vida e a arte alcança um ponto de fusão tão indissolúvel durante o decorrer de Olhos de Serpente só transforma a experiência em uma das mais torturantes armações de Ferrara, que consegue imprimir tanta força nos momentos de ficção dentro do filme (a atuação de Madonna não tem como não ser lembrada) que faz dessa jornada infernal um dos momentos mais críveis de sua carreira.

4/4

Daniel Dalpizzolo

The first National Treasure was a really fun movie with lots of riddles and mystery. The second National Treasure: Book of Secrets was the same movie, but Nicolas Cage looked like a old woman. Seriously - his face and his hair just were not right. He must have had work done before he started filming this. It was bad enough to be distracting. There was nothing new to this movie except that we get to meet Ben's mother [Helen Mirren, whom I love]. If you loved the first one, this one might be worth a rental, but if you're not in the mood to see the same thing twice, skip it. 2 out of 5. 

~ HELENA

Add'l Info: Released: Dec 21, 2007 • Runtime: 124 minutes • Rated PG for some violence and action

Algunas críticas sobre las andanzas de este Indiana Jones urbanita del siglo XXI y con cara de estar siempre asomado han dicho: "el argumento continuamente da giros según la libre interpretación que Cage hace de unas ridículas claves encriptadas", "Es tan tonta que los Monty Python podrían hacer una versión usando el mismo guión, línea por línea", "Este último asalto a la inteligencia colectiva de los amantes del cine (...) es una especie de El Código Da Vinci para tontos", "Es En busca del arca perdida para aquellos que se durmieron en clase de Historia de América", "No es que sea difícil de creer, es que es imposible", "National Treasure, que es de la Disney, se supone que es una película amigable, para toda la familia; acción y aventuras sin demasiada violencia y sin lenguaje soez. Esto es, sin duda, admirable, pero con cintas así de ‘amigables’ la familia no necesitará pastillas para dormir"... Sí, también hay críticas buenas. Allá ellas.

Y es que todo lo que son virtudes en el héroe del látigo (un personaje humano, unos protagonistas con carisma, unos malos también humanos y no exentos de virtudes, unas aventuras sobrenaturales pero no carentes de marco histórico "lógico" y de un fondo intencionadamente vago pero siempre con un punto de anclaje en la Historia, por muy débiles que sean y por muchas pifias que contengan -que las contienen- una intención deliberada de divertir sin hacer pensar demasiado gracias a una acción trepidante y una empatía fulminante por la historia y su protagonista desde el primer segundo de filmación, entre otras muchas) son aquí metidas de pata sin solución de continuidad. No sólo Cage resulta un héroe de pantomima, un arqueólogo chufletero, sino que, últimamente empeñado en interpretarlo todo como si todavía estuviera rodando caricaturas de El mago de Oz para David Lynch (léase, Corazón salvaje) con un aire de agilipollado constante, resulta odioso, imposible de hacer creíble su combinación de personaje lúcido, divertido, culto y con respuesta para la acción; su cara de sorpresa permanente ante todos y todo, su alucinación constante ante cualquier situación, incluso cuando los demás personajes no dicen nada es muy elocuente. El resto del casting, incluidos un apergaminado Jon Voigt que se olvidó de inyectarse el plástico el día que le tocó rodar, y un Harvey Keitel que mejor hubiera hecho quedándose en casa fingiendo un contagio de enfermedad venérea, es nefasto, exceptuando Sean Bean, el malo encasillado en papeles de malo, que no es que esté bien, sino que interpreta el mismo personaje que el cine comercial norteamericano le tiene encomendado casi en el 100% de sus apariciones en la pantalla de manera injusta y miope.

Pero lo más tonto, sin duda, es su trama. Aunque no carece por instantes de algunas buenas escenas de acción y de diálogos que rozan en algún momento el ingenio, mezcla que incluso puede despertar simpatía y visionados agradables siempre que no haya otra cosa que hacer y el nivel de estupefacientes o el grado de alcohol ingerido sea suficiente, la historia es tan demencial, tan de delirium tremens, que mejor sería ir pidiendo ingreso hospitalario urgente al equipo de guionistas. La película nos ofrece una fantasía basada en la Historia de Estados Unidos, mezclando diferentes aspectos, lugares y personajes de su demasiado reciente devenir (Declaración de Independencia, El Capitolio, Filadelfia, Thomas Jefferson, Benjamin Franklin...) que deriva, a partir de un mapa del tesoro escondido en el reverso de la famosa Declaración de Independencia del 4 de julio de 1776, en persecución, hallazgos de objetos históricos que son paso continuo a nuevas pistas a cada cual más absurda, hacia una eclosión en una ciudad subterránea que esconde TATATACHÁÁÁÁN: ¡¡¡ EL TESORO DE LOS TEMPLARIOS !!! (¿a qué ya lo estaba echando de menos el lector? Hoy en día un libro o una película que no menciona a los Templarios como si no...), el tesoro que varios miembros de la familia Gates, la de Voigt y Cage (cuyo personaje, para colmo, se llama Benjamin Franklin Gates, es como si en España se hiciera algo parecido y el protagonista se llamara José María Aznar Puertas, teniendo en cuenta que no hay comparación posible entre un hombre de ciencia como Franklin y un ente como Aznar) han ido persiguiendo durante generaciones y que de Palestina llegó a Estados Unidos por esos avatares de la Historia y del Priorato de Sión o como narices se llame. Vamos, una basura argumental de proporciones monumentales.

Por supuesto, Hollywood dio luz verde inmediata a la segunda parte de este pestiño, una película, al menos en la forma, cuya única utilidad consiste en ser objeto de cachondeo en grupo en una de esas visiones conjuntas en las que el personal sólo aspira a una cosa: descojonarse.

Acusados: todos, incluido Abraham Lincoln.
Atenuantes: algunas escenas de acción, algunos diálogos, poco más.
Agravantes: Nicolas Cage, Nicolas Cage, Nicolas Cage.
Sentencia: culpables de crímenes contra el buen gusto y la inteligencia.
Condena: rodar una versión castiza en la que el mapa de los Templarios se esconde en los premolares de la calavera del Papa Luna, cuya encriptación sólo puede descubrirse mirándolo al trasluz con el cachirulo de Marianico el Corto, para terminar buscando en el sótano de Carrefour el botín formado por una quiniela de catorce resultados que acertó Francisco de Quevedo.

This night methinks is but the daylight sick.
(William Shakespeare, The Merchant of Venice)

One thing I never understood about this scene is why Harvey Keitel fails to light his cigarette.

Perhaps Quentin Tarantino would care to enlighten me.

Als auf einer Firmenparty eines japanischen Unternehmens eine Frau ermordet aufgefunden wird, schalten die Japaner den Auslandsbeauftragten der Polizei Lt. Web Smith (Weasley Snipes) ein. Der erhält außerdem den Auftrag sich Hilfe beim Japan-Kenner Captain John Connor (Sean Connery) zu holen, den er zum Tatort mitnehmen soll. Es stellt sich heraus, dass die Frau nicht vergewaltigt und ermordet wurde, sondern  beim Sex umkam, weil sie auf sadomasochistische Praktiken stand.

Die Laserdisc mit der Aufzeichnung des Mordes ist auf einmal verschwunden. Erster Verdächtiger ist Eddie Sakamura (Cary-Hiroyuki Tagawa), der Freund der Toten. Er wird allerdings nicht verhaftet, weil Connor  nicht an die Schuld Eddies glaubt. Durch seine Kontakte taucht die Laserdisc einige Stunden nach dem Verbrechen wieder auf. Da der Fall sich auf politischer Ebene abspielt, sitzen den beiden Smiths rassistischer Partner Lt. Tom Graham (Harvey Keitel), ein schmieriger Reporter (Steve Buscemi) und der Rest der Behörde sowie hohe politische Tiere...
...

Weasley Snipes ist gewohnt cool und spielt seine Rolle authentisch. Als Smith geht er einem am Anfang manchmal auf die Nerven, das ist aber positiv - er schafft es rüberzubringen, wie schwer es ihm fällt sich unterzuordnen. Coole Sprüche und Kommentare wie

"Wow, 'ne Bumsmuschel für Führungskräfte."

hat er auch immer auf den Lippen.

Sean Connery. Was kann man zu diesem Mann noch sagen, wo die zwei Worte "Sean Connery" doch eigentlich sowieso schon aussagekräftig genug sind: er steckt schauspielerisch gekonnt alle anderen in die Tasche und weiß in seiner Rolle als Leitfigur mit Älteren-Status immer wo es lang geht. So strahlt er eine ganz andere Coolness aus als sein Teamkollege, die auch niemand anders so rüberbringen kann wie der erste Bond.

Dass Harvey Keitel gut darin ist, Gauner, krumme Typen und Konsorten zu spielen ist bekannt. In Die Wiege der Sonne kommt er seinem Ruf nach und überzeugt den Zuschauer als rassistischer "Japsen-Hasser", der immer einen Japan-feindlichen Spruch wie

Polizist: "Sushi gefällig?"
Graham: "Nääää, wenn mir nach Quecksilber is', fress' ich 'n Thermometer."

parat hat und durch und durch unsympathisch und widerwärtig ist

Steve Buscemi hat hier als Reporter-Zecke nur eine Mini-Rolle, die allerdings 100%ig zu ihm passt und wohl nicht besser hätte besetzt werden können. Als schleimiges, schnüffelndes Journalisten-Wiesel wühlt er im Dreck und stellt lästige Fragen.

Auch die japanische Seite des Casts ist mit Cary-Hiroyuki Tagawa, Mako, Stan Egi und dem Rest gut besetzt und kann somit überzeugen. Da soll nochmal jemand Behaupten Asiaten hätten keinen Ausdruck!

Die Technologie von Laserdiscs und Co. ist für den Anfang der 90er natürlich sehr fortschrittlich und somit relativ innovativ, was nicht heißt, dass es derartiges noch nie gegeben hat. Die Technik trägt mit zur Spannung des Film bei, der einige Wendungen für den Zuschauer parat hält.

Ein packender Thriller, der zwar nicht in Japan, sondern nur in Little Tokyo spielt und trotzdem ein bisserl Japan vermiteln kann. Sehr gut besetzt (was kann man mit Sean Connery schon falsch machen?) und zu empfehlen.

Ich habe mir den Film heute hauptsächlich angesehen, weil er mir als "besser als Black Rain" empfohlen wurde, was ich jetzt bestätigen kann. Er ist etwas spannender und dynamischer als der in Japan spielende Film mit Michael Douglas und Andy Garcia als Cop-Team.
8,5/10 Punkten

Vício Frenético é como o choro final de Harvey Keitel: seco; duro; sufocado; doído. Desde o primeiro momento, Abel não mede gestos e nem faz concessões, de forma semelhante ao que realiza em todo grande filme seu [e que filme de Ferrara não é grande, eu perguntaria]. É um cinema de extremos, onde as portas para o céu e para o inferno ficam frente a frente no corredor do purgatório. E o que parece impressionante em um momento, como a cena de abertura, quando, depois de deixar seus filhos na porta da escola, com o carro ainda parado em fila dupla, o Tenente viciado e desamparado puxa um papelote de coca pra cheirar, acaba se tornando uma imagem corriqueira depois que outra, e mais outra, e mais outra tão ou mais intensas vêm pra enterrar os conceitos de limites que construímos para o próprio filme.

Ao mesmo passo que fotografa uma verdadeira descida ao inferno, onde o mal é combatido com o mal e o bem fica muito mais como uma grande ilusão intelectual, Ferrara transforma este Vício Frenético em um filme de dupla personalidade – mas sem distingui-las jamais. E tudo não passa de um reflexo da própria condição do protagonista, que em sua doença esconde todo o penar que lhe castiga, mas que permanece sufocando e matando por dentro – e é uma tremenda sacanagem que a exteriorização disso tudo seja feita justamente quando consegue liberar seus demônios, tanto na cena da igreja, onde imagina Jesus Cristo e implora-lhe perdão, quanto na própria ação de libertar das conseqüências aqueles jovens criminosos que estupram a freira – num misto de boa e má ação, o que não poderia ser mais fiel à dualidade de sentimentos que fazem dele um dos anti-heróis mais complexos do cinema.

E essa grande ilusão entre o castigo e a redenção – que em muitos momentos é tratada como tal, principalmente na construção de toda a atmosfera onírica evocada por um ou outro elemento de cena, quase sempre a iluminação – é registrada com uma frieza assustadora, como se o próprio personagem impusesse à câmera os limites para a dissecação de sua dor e de seu mergulho predestinado ao afogamento. E ainda assim o filme consegue ser de uma intensidade dominadora, e talvez seja por isso que o final, totalmente traiçoeiro, deixe uma sensação tão desconfortável, ainda que seja sabido que a própria ação nada mais é do que uma concretização daquilo que o homem havia tentado fazer consigo o filme todo, só que não conseguia por a ação vir de dentro, de um ponto que já não acompanhava mais aquela caminhada desorientada e, portanto, não respondia.

Pode-se dizer com facilidade que Vício Frenético resume em prática grande parte do cinema de Ferrara - embora não seja sua maior obra-prima, posto que é seguro a New Rose Hotel, a maior extremidade do experimentalismo com a tenuidade da imagem e um filme tão transgressor quanto fundamentador de conceitos, todos estes ainda inaplicáveis ao cinema contemporâneo – e que deverão sofrer com isso por mais uns 30 anos, pelo menos. Mas acho que nem mesmo todo o conjunto consegue ser tão expressivo e melancólico quanto o monólogo que a amiga viciada de Keitel profere em sua última participação no filme, um discurso que praticamente define em duas dúzias de palavras o que muitos realizadores tentaram transmitir com uma carreira inteira – e até mesmo Ferrara provavelmente nunca havia sido tão claro.

Isso, junto do momento em que o diretor questiona a culpa e o perdão católicos, naquele encontro traumático entre a freira e o protagonista na igreja, estão certamente entre as coisas mais marcantes que eu já vi em um filme. "Jesus transformou a água em vinho. Eu deveria ter transformado esperma amargo em esperma fértil, ódio em amor, e talvez ter salvado a alma deles. Eles não me amaram mas eu deveria tê-los amado".  Sufoca apenas reproduzir isso aqui pro computador. Imagina só, então, a cabeça de quem escreveu uma coisa dessas.

4/4

Daniel Dalpizzolo